说说国际标准舞艺术支撑

　　一、表演艺术

　　表演艺术在表演舞中是指创编方面的技术或能力。舞蹈的艺术特征，是以人体动作作为表情达意，体现生命意识的手段。前者是魂，后者是体，魂依附于体，体现着魂，在魂与体的微妙运动中，演化出舞蹈艺术余味无穷的意蕴和性格。所以说，舞蹈是人类在社会的历史发展中创造的艺术形式之一。曾看过一场国际标准舞职业舞者的比赛，评审们无需站着给舞者打分，而是轻松地坐在那里拓展思绪，使思维活跃地融入舞者们的舞蹈中。要创造出一台能够抓住整场的表演舞，必须要有吸引人的地方，而吸引人的首要点就是――音乐性。舞蹈与动作必须要根据音乐进行编排，要感受音乐本身的内容和演绎方式，确保舞蹈和音乐的高潮是融合在一起的。在电视上看过纽约百老汇演出――《亚当斯一家》，一个典型的哥特式家庭似喜剧。幕布徐徐拉开，欢快音乐就响起来了，观者脑海随着音乐自动飘出了各种舞蹈画面。先是快步波尔卡（捷克民间舞蹈），突然音乐变得具有顿挫感，于是脑海中立马转成探戈舞画面，随即旋律一变，阿根廷探戈，音乐放缓，脑海里又呈现出维也纳华尔兹的动作，然后又转回波尔卡及进入节奏柔和些的探戈。表演中加入了一点点喜剧元素、托举动作、幽默情节和道具鲜花等，以此来丰富舞台上的表演力。其中，有一段很长时间由弱到强缓冲音乐，安排通过让女舞者有慢速旋转、然后开始慢慢加速、加速，在最后“?纭鼻颗钠鹄词保?使得舞者的力量爆发与音乐的力量达到吻合。其中还要注意许多小细节，除配合音乐去跳舞，还要与音乐本身的高潮相吻合，等等。

　　原苏联著名舞剧编导和舞蹈理论家扎哈诺夫说过：“音乐――这是舞蹈的灵魂。音乐包含了并决定着舞蹈的结构、特征和气质。”由此，我们可以看出，舞蹈与音乐的密切关系。在选取音乐时，可以别出心裁，将完全不同类型的东西结合起来，试着将不同世界的音乐融入到一起。比如，可以用美国摇滚乐队――邦乔维的经典歌剧《你为爱安了个坏名》编了一曲优雅的慢狐步舞，4/4拍节奏类型狐步舞舞曲抒情流畅，每分钟28～30小节、四拍走三步、每四拍为一循环，因此，舞步平滑、舞态优雅、从容飘逸、似行云流水。观者有很多没有接触过国标舞、尤其是没跳过“老人家”们跳的狐步舞，但结果这支“摇滚狐步舞”其效果：掌声雷动！事实证明，会有很多人是喜欢看摩登舞的。这也是为何英美节目《于星共舞》《舞动奇迹》以及我国《中国好舞者》里，时常会出现一些我们认为很离奇、很“不入流”的音乐。它们的表演不仅仅是机械的动作展示，而是要融入音乐、进入音乐，成为音乐的化身，将舞蹈动作幻化成你想象中的人物感知。当舞者站在台上、做好准备、然后在特定的音乐氛围中流露出特定的情感，这样做出来的动作效果是截然不同的，要在特定的时间里创造出瞬间感，因此，完美地演绎音乐和融入音乐同样重要，可以说，音乐是世界的、音乐是没有国界的。

　　艺术要求我们不仅要理解动作，还要理解动作的细腻内涵，理解其中所蕴涵的独特的情感与精神，动作中的情绪酝酿，以及在下个动作前营造出壮丽之感，这样有目的、有意义的动作才是有价值的动作。舞蹈艺术这种独特表演艺术形式的特性――清晰直观动态的情感语言，充分展现了舞蹈艺术的魅力所在。

　　二、基本步和基本套路的艺术性

　　1.基本步的艺术性

　　寻找和发掘基本步中的艺术性，是一个值得探讨的课题。在英国黑池，业余舞者在转为职业舞者时，需要参加英国舞蹈理事会组织的职业资质考试。为了通过这次考试，舞者得花费很多精力去训练基本步的技术和要求。转入职业组后参加的世界顶级赛事时，如欧洲职业锦标赛、世界职业锦标赛，世界舞蹈理事会会在比赛中加入基本步的比赛环节（WDC自2010年规定：每轮比赛中须有一支由基本步组成的基本舞）。也就是说，若想在比赛中获得好成绩，练好基本步是非常重要的。当然了，关于学生的基本舞步大都限定在课本大纲之内了，所以练好基本步是必修课程。

　　那么，如何能让基本套路中的每一步都非常有感觉呢？在初期训练中，学生的每一步都按照“标准方式”来跳，不管前面跳的是什么舞步、也不管后面接的是什么舞步，每一步都严格遵循“标准方式”来跳。在“标准方式”为学生奠定了良好的基础后，就要从这种“标准方式”转化为动作衔接更为自然的“艺术方式”，而这种艺术方式的来源与秘诀――艺术来自于中心。

　　2.艺术方式来源与秘诀

　　重力中心和上升中心（姿态中心）：重力中心是最重要中心。舞蹈中女舞者一般热衷于根据男舞者的中心作出反应；接着用到胸腔骨这一不可缺少的中心、可称其为“上升中心”或姿态中心。比如，在摩登舞华尔兹方块步（并脚换步）练习中，跨出第一步并向侧移动时，“重力中心”从下面超过“姿态中心”，推动上身、然后创造出一个非常自然的上身优雅的姿势。造成这一优雅的、行云流水般移动技术秘诀也在于此，双人在舞池中流畅地移动无疑给舞者的舞蹈增光添彩。警醒的是教学过程中，发现学生在模仿动作时，常犯错误：只移动上半身或直接移动头部来做倾斜或姿态造型。看似相同的外观造型，却是通过不同的运行方式产生的，其效果就大不一样。强调正确的运行方式操作如下：通过身体中心在底部的转动引起的自然移动而形成最后造型，而且在移动期间（完成动作过程中）女士可以很容易地理解与跟随，进而形成行云流水般的移动，给舞者的舞蹈增光添彩。 　　练就基本套路的艺术感需要通过很长时间进行培养和训练，但必须强调：舞者和学者在每一步中都力求发掘出闪光点，无论是表演、比赛、练习都希望带着基本动作这一艺术感去舞蹈。

　　三、角色艺术感

　　国际标准舞这门艺术是由人创造的。我们看到的不仅仅是外在表面的东西，还应该有艺术的东西，即舞者在舞蹈中加入激情与情绪。

　　1.引带

　　男士引领、女士跟随，统称“引带”。引带不仅仅是双人舞中的技巧，也是超越技巧成为表达的一种方式。引带是连接男士女士的纽带，是突出双人舞中男士与女士的区别，使双方传递信息、感情交流的枢纽。在双人舞中不仅有接触引带也有非接触引带，无论是哪种方式的引带，都要使我们的双人舞巧妙地联系在一起，突显出双人舞的特质魅力。

　　2.摩登舞双人舞的引带关系

　　在这里主要说说摩登舞中男士的引带意识和女士的跟随意识。摩登舞是双人舞中双方关系最紧密的舞蹈，它需要舞者在心、脑、体这三方面共同运作。摩登舞是两个人共同完成的对舞艺术形式。舞伴双方的配合是舞者体现艺术美感的主要环节，是舞者“合二为一”的艺术境界，是舞者人文艺术修养逐渐成熟并走向成功的重要标志。比如，华尔兹中Fallaway Reverse Ture接Reverse Pivot（并退左转步接左轴转步）这两个连续左转的舞步，女士在男士的引带下第一步后退右脚，同时通过反身动作将男士向左引带，第二步仍用左肩、左脸部继续向左引带，第三步女士后退右脚步幅小一些，最后Pivot的转动速度要比男士慢一些，这样就使两个舞步衔接得比较连贯而流畅。摩登舞是一种在旋转中流动性极强的舞蹈。两个舞者巧妙的配合、和谐共舞是体现这种舞蹈特性的关键所在。前面说过，舞蹈中要使心灵、思维、身体三者等充分参与到运动中来，才能展示出绚丽多彩、行如流水的艺术魅力。

　　3.拉丁双人舞的引带关系

　　这里重点说说拉丁双人舞的引带及力的运用。“力”是建立在“引带”之上的，只有在平衡的基础上才可以做双人技巧，所以舞伴的“力”的配合是继“引带”后更重要的技巧与表现手法。众所周知，物体之间的作用力与反作用力大小相等、方法相反，所以我们在舞蹈中形成了两种力：对抗力与扩张力。拉丁舞的精髓乃是双人舞之间千变万化的技巧，这些技巧如黑洞般深不可测，需要我们去挖掘、去尝试。比如，斗牛舞――斗牛舞与斗牛的概念是紧密相关的，斗牛是一种激烈的、残酷的、严峻的舞蹈，为此走上舞台后，思绪要拉回到竞技场上，要想象斗牛士在地板上走路的姿态，想象在竞技场上移动的神态。而现实中，舞者总是尝试把舞步跳得更好，缺少对动作用意的投入、对舞伴彼此的投入以及对彼此感觉的投入。试想想，若能使得“两个不同的灵魂来共同描绘一支整体的舞蹈”，那该是多么理想的状态……当男士张开身体让女伴通过时、要描绘出身体内部的自豪感，而不仅仅是把身体位置摆好就行。作为女性舞者首先在舞台上要塑造舞台角色。第一，要描绘斗篷动作的女性角色（不断扭转、不停创造曲线、不停动作的斗篷角色）。斗篷动作的发出者是男伴、女伴只是动作的反应者而已。第二，要描绘是一名神秘的、勇于挑战的、无比自信的吉普赛女郎（有时只是甩一下裙摆、诱惑男伴、然后离开……）。这个角色感觉和生活中、平常的动作感觉很相似，表现出是魔种侵略感、紧张感、或浓浓的爱意。当然，可以是调情、然而仅仅用背部与男伴进行交流。当女士以吉普赛女郎的角色出现时，女士就是感觉的发出者，而男士的任务则是观察，然后做出相应的反应即可。

　　女性要了解自己的本能，要根据自己的想象释放自己，不要害羞难为情，不要拘束在现实之中，要高高在上，要抓住你的角色和身份。踏上舞池后，不要去想你的左右脚动作，身体位置、腹部位置、节拍等，因为当你超越现实境界，进入幻想境界后，就会变身为另外一种人或物，而这正是舞蹈带给我们及其美妙的事情。

　　四、身体语言的艺术性

　　身体语言是无声却有形的诉说，它就像文学、美术、音乐一样，是一种表达方式。对于表演性和竞技性兼备的国际标准舞来讲，舞蹈身体语言更成为其艺术表现的核心问题。我们所熟知的拉丁舞在其进行艺术诉说的过程中，身体语言能力更凌驾于其他众多舞蹈元素之上，成为其表现的冠上明珠。

　　1.“力”――舞蹈身体语言的“脉搏”

　　国际标准舞表演性艺术形式中，舞者身体的控制力、身体语言的掌握能力是一个永恒的话题，更是任何一个舞者在进行身体语言能力训练时都无法避及的问题。在舞蹈中，会受到各种各样的力，如重力、支撑力和摩擦力。除此之外，舞者在进行身体语言能力训练中，要求舞者对力的解读必须有两种认识：真实的力和感觉到的力。前面提到的三种力的模式主要指“真实的力”，而感觉到的力是舞伴双方在进行舞蹈动作时彼此互相感受到的对方给予自己的力。这种力更多的来自于音乐、现场环境、舞蹈心情以及对舞蹈的理解等非动作因素，感觉到的力（也称“非接触引带”）对舞伴之间的配合是非常重要的。不论是初学者，还是职业舞者进行舞蹈身体语言“力”的训练；不论是在老师指导下进行的一些实际能力的训练，还是舞者进行个人能力训练；无论是竞技现场还是舞台表演，对“力”的理解和应用，无不成为每一个人关注的焦点。从大的方面说，没有“力”的概念就不成其为舞蹈；从小的方面讲，对于身体语言能力的训练，如果脱离了“力”的掌控，我们自身的舞蹈技术与风格水平只能停滞在“机械层面”，而缺少用力得当的“艺术魅力”。

　　2.控制――舞蹈身体语言的特质

　　关于身体语言能力中的动作的控制力。对于完整动作的控制，来源于“力”的掌控，而对于“力”的理解，最终要融入到舞蹈连贯的动作过程中。比如，当今的拉丁舞已经在原有的竟技性舞蹈的基础上，发展成为融表演性与竟技性为一体的形式。我们运用舞蹈的前进、后退、跳旁边、旋转以及跳跃诉说一个故事或表达一种心情，然而这并不代表着一个好的拉丁舞作品的成功就在于我们对某个故事、某种心情或者某种表达方式的构思。从根本上说，它是源于动作本身的语言。舞者在舞蹈中必须努力提高自身对于动作的控制能力，通过自己的动作去感受、去传达内心思想感情。教学训练中不仅仅停留在借助镜子看舞姿是否美丽动人，更重要的是通过身体的活动去体验某种经验是否表现的充分。正如阿恩海姆所说：“为了使某种舞蹈动作达到技术上的准确性，一个有能力的舞蹈教师并不要求他的学生去表演一些准确的几何式样，而是要求他们努力获得上升、下降、攻击、退让时的肌肉经验，而要取得这种经验，就必须完成与这种经验有关的动作”。可以说，没有对动作的控制，就没有艺术表现过程中艺术的虚构、审美意象、文化内涵。

　　3.节奏――舞蹈身体语言的“韵律”

　　节奏是宇宙一切事物运动的最基本表现形式。“艺术”化的“节奏”，更成为舞蹈艺术表现过程中重要的因素，舞者对于节奏的把握，自然而然被列为身体语言能力中最需要抓住的实质问题。节奏已成为评判国际标准舞者能力的一个标准，呼吁舞者必须有意识地进行节奏上的培养和训练。它不仅仅包括音乐上的节奏，更多的要求舞者对自我身体节奏有较强的把握能力。舞蹈的节奏是一种“视觉节奏”，是舞者的肢体在力度、幅度、速度和转度变化中的节奏。

　　五、结语

　　国际标准舞舞台的精彩表演或表达，离不开表演艺术、基本步和套路编排艺术、角色艺术、身体语言能力艺术等艺术支撑。国际标准舞的艺术表演创作，充满了探索、充满了创新和梦想，艺术的创新是无止境的。国际标准舞艺术支撑科学的方法拯救了它艺术发展的生命，艺术表演舞的多元化知识的积累，全方位地给予人们一个更加广阔的发展天地。国际标准舞从引进至今，我们不能只停留在从比赛到比赛，要加强对艺术表演舞创编能力的学习、创作和实践。

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